Podcasty historyczne

Kim jest artysta stojący za tym popularnym obrazem?

Kim jest artysta stojący za tym popularnym obrazem?

Wikipedia podaje, że to niemiecka pocztówka z 1900 roku. Ale nic nie mówi o artyście.

Czy ktoś wie o artyście stojącym za tą pracą?


Autor nie jest znany, czy wikimedia commons jest czymś, do czego można by się przydać, ale zagłębienie się w wyszukiwarkę grafiki Google wydaje się różnie przypisywać oryginał malarzowi o imieniu Lindberg, H Zabatari/Hans Zatzka i być może innym.

Uważaj, ponieważ źródła mogą bardzo dobrze odzwierciedlać pogłoski bez sprawdzania lub, jak ta odpowiedź, googlowania. Biorąc to pod uwagę, H Zabatari / Hans Zatzka wydaje się lepszym zakładem w oparciu o to nieco bardziej wiarygodne i lepiej zbadane źródło (strona aukcyjna oryginału):

The Guardian (ok. 1918) został namalowany przez H. Zabateriego jako pocztówka (Austria?). Oryginalne pocztówki z nazwiskiem artysty (kredyt) można nabyć u kolekcjonerów. Kilka odbitek tego obrazu przypisano „Lindbergowi”. Lindberg skopiował oryginalny obraz i zastosował jaśniejsze kolory, zmiany szczegółów i prostsze figury.


Historia Banksy'ego

Kiedy Czas magazyn wybrał brytyjskiego artystę, mistrza graffiti Banksy—graffiti, malarza, aktywistę, filmowca i wszechstronnego prowokator—dla listy 100 najbardziej wpływowych osób na świecie’ w 2010 roku znalazł się w towarzystwie Baracka Obamy, Steve'a Jobsa i Lady Gagi. Dostarczył swoje zdjęcie z papierową torbą (oczywiście nadającą się do recyklingu) na głowie. Większość jego fanów tak naprawdę nie chce wiedzieć, kim jest (i głośno protestuje przeciwko próbom zdemaskowania go przez Fleet Street). Chcą jednak śledzić jego drogę w górę, od wyjętego spod prawa opryskiwania, lub, jak mówi argot, od bombardowania ścian w Bristolu w Anglii w latach 90. do artysty, którego praca kosztuje setki tysięcy dolarów. w domach aukcyjnych Wielkiej Brytanii i Ameryki. Dziś bombardował miasta od Wiednia po San Francisco, od Barcelony po Paryż i Detroit. I przeniósł się od graffiti na szorstkich murach miejskich do malowania na płótnie, rzeźby konceptualnej, a nawet filmu, z podstępnym dokumentem Wyjście przez sklep z pamiątkami, który był nominowany do Oscara.

Powiązane książki

Banksy.: Jesteś akceptowalnym poziomem zagrożenia

Banksy: Człowiek za ścianą

Powiązana zawartość

Pest Control, organizacja z przymrużeniem oka, założona przez artystę w celu uwierzytelnienia prawdziwej grafiki Banksy'ego, chroni go również przed wścibskimi osobami z zewnątrz. Ukrywając się za papierową torbą, a częściej e-mailem, Banksy bezlitośnie kontroluje własną narrację. Jego ostatni wywiad twarzą w twarz miał miejsce w 2003 roku.

Choć może ukrywać się za ukrytą tożsamością, opowiada się za bezpośrednim połączeniem artysty z jego okręgiem wyborczym. „Istnieje zupełnie nowa publiczność, a sprzedaż [jednej sztuki] nigdy nie była łatwiejsza”, twierdzi Banksy. “Nie musisz iść na studia, przeciągać wokół portfolio, wysyłać przezroczy do snobistycznych galerii ani spać z kimś potężnym, teraz potrzebujesz tylko kilku pomysłów i połączenia szerokopasmowego. To pierwszy raz, kiedy zasadniczo burżuazyjny świat sztuki należy do ludu. Musimy sprawić, by to się liczyło.”

Dzielnica Barton Hill w Bristolu w latach 80. była przerażającą częścią miasta. Bardzo biali – prawdopodobnie nie więcej niż trzy czarne rodziny jakoś tam trafiły – klasa robotnicza, zaniedbana i nieprzyjazna dla obcych. Kiedy więc Banksy, który pochodził ze znacznie bardziej zielonej części miasta, postanowił pojechać tam po raz pierwszy, był zdenerwowany. “Mój tata został tam ciężko pobity jako dziecko” powiedział koledze z graffiti i autorowi Felixowi Braunowi. W tym czasie wypróbowywał nazwiska, czasami podpisując się jako Robin Banx, chociaż wkrótce przekształciło się to w Banksy'ego. Skrócony moniker mógł pokazywać mniej gangsterów ’ "okradanie banków"#8221, ale było to bardziej zapadające w pamięć—i łatwiejsze do napisania na ścianie.

Mniej więcej w tym czasie zdecydował się również na swoje charakterystyczne szablonowe podejście do graffiti. Kiedy miał 18 lat, napisał kiedyś, malował pociąg z bandą kolegów, kiedy pojawiła się brytyjska policja transportowa i wszyscy uciekli. “Reszta moich kumpli dotarła do samochodu” Banksy przypomniał “ i zniknęła, więc spędziłem ponad godzinę ukryty pod wywrotką, a olej silnikowy przeciekał na mnie. Kiedy tak leżałem, słuchając gliniarzy na torach, zdałem sobie sprawę, że muszę skrócić czas malowania o połowę lub całkowicie z niego zrezygnować. Patrzyłem prosto na tabliczkę z szablonem na dnie zbiornika paliwa, kiedy zdałem sobie sprawę, że mogę po prostu skopiować ten styl i zrobić każdą literę o wysokości trzech stóp. zaraz po przecięciu pierwszego szablonu poczułem tam moc. Podoba mi się też przewaga polityczna. Wszystkie graffiti są na niskim poziomie, ale szablony mają dodatkową historię. Były używane do wszczynania rewolucji i do powstrzymywania wojen


Zapomniane arcydzieła są rzadkie

Przede wszystkim, aby było absolutnie jasne, znalezienie zapomnianego arcydzieła jest niezwykle rzadkie. Usłyszysz historie o utworze Salvadora Dali, Vincenta Van Gogha lub Alexandra Caldera znalezionym w sklepie z używanymi rzeczami. Jeśli jesteś fanem programu PBS „Antiques Roadshow”, wiesz, że niektóre zapomniane rodzinne skarby mogą być warte zaskakujących ilości gotówki. To nie jest norma.

Nie oznacza to, że nie powinieneś wypatrywać tego ukrytego klejnotu. Naprawdę fajnie jest odkrywać okazje i sprawdzać, czy możesz je znaleźć, ale nie licz na to, że każdy zakurzony obraz będzie cenny.


Dziewczyna z perłą

Johannes Vermeer, “Dziewczyna z perłą,” ca. 1665 (zdjęcie: Mauritshuits za pośrednictwem Wiki Art Public Domain)

W 1665 roku holenderski artysta Johannes Vermeer stworzył swoje najbardziej znane dzieło sztuki: Dziewczyna z perłą. Kilku historyków sztuki zakwestionowało prawdziwą tożsamość młodej kobiety przedstawionej na obrazie. Jedną z najczęstszych teorii jest to, że dana kobieta jest Maria Vermeer, najstarsza córka malarza. Jednak wciąż jest kilku uczonych, którzy w to wątpią i chociaż ten obraz olejny jest często uważany za jeden z najważniejszych portretów, technicznie wcale nie jest portretem.

Dziewczyna z perłą jest właściwie tronie&mdasha badanie niezidentyfikowanej osoby. Tronie były szczególnie popularne w holenderskim Złotym Wieku, kiedy artyści tacy jak Vermeer i Rembrandt zaczęli przyjmować nienazwane tematy do swoich “portretów. .

Dziewczyna z perłą jest doskonałym przykładem tej tradycji, ponieważ przedstawia nieznaną dziewczynę ubraną w bogate szaty. “Jak wizja emanująca z ciemności, nie należy do konkretnego czasu ani miejsca” historycy sztuki Arthur K. Wheelock i Ben Broos stwierdzają w katalogu wystawy. “Jej egzotyczny turban, owijający głowę krystalicznym błękitem, jest zwieńczony uderzającą żółtą tkaniną, która dramatycznie opada za jej ramię, nadając obrazowi tajemniczość.”

Tronies Rembrandta w Metropolitan Museum of Art


Inni malarze malowali portrety ludzi, których kochali i stracili. Holenderski malarz Rembrandt van Rijn (1606-1669) poniósł wiele strat. Według Ginger Levit w „Rembrandt: Malarz smutku i radości”

Były to najlepsze czasy w XVII-wiecznej Holandii – znanej jako holenderski złoty wiek. Gospodarka kwitła, a zamożni kupcy budowali kamienice wzdłuż kanałów amsterdamskich, instalując luksusowe meble i obrazy. Ale dla Rembrandta van Rijna (1606-1669) przyszły najgorsze czasy – jego piękna, ukochana, młoda żona Saskia zmarła w wieku 30 lat, a także ich troje niemowląt. Ocalał tylko jego syn Tytus, który później został jego dilerem.

Potem Rembrandt nadal tracił ludzi, których kochał. Dżuma z 1663 r. zabrała jego ukochaną kochankę, a następnie Tytusa, w młodym wieku 27 lat, w 1668 r. zawładnęła. Sam Rembrandt zmarł zaledwie rok później. W tym mrocznym okresie swojego życia Rembrandt nadal malował to, co było dla niego najbardziej osobiste, nie dostosowując się do oczekiwań dnia, przenosząc swoje cierpienie i żal na potężne i sugestywne obrazy.

Według Neila Straussa w swoim artykule New York Times „Wyrażenie żalu i potęga sztuki”

W sztuce Rembrandta żal jest emocją świecką i duchową. W dziesiątkach autoportretów, które malował przez prawie pół wieku, smutek rozwija się jak ból tłumionych łez. Dla tego człowieka, który stracił ludzi, których kochał najbardziej, żałoba nie była wydarzeniem, była stanem umysłu, zawsze obecnym, przesuwającym się do przodu, wycofującym się, wciąż rosnącym, jak cienie przesuwające się po starzejącej się twarzy artysty.

Dodaje, że przez wieki sztuka zachodnia przedstawiała ludzkie uczucia smutku, począwszy od malowideł wazonowych w klasycznej Grecji, a skończywszy na obrazach religijnych chrześcijaństwa, „którego sednem jest tragedia”.


&aposZłota reguła,&apos 1961

„Złota reguła”, 1961. Olej na płótnie, 44 „#xBD” x 39 „#xBD”. Ilustracja na okładkę „The Saturday Evening Post” z 1 kwietnia 1961 r. 

Fot. Zbiory Muzeum Normana Rockwella. ©SEPS: Curtis Publishing, Indianapolis, IN

W latach 60. nastrój w Ameryce się zmieniał. Kiedyś zabroniono pokazywania mniejszości na okładce Poczta, obraz Normana Rockwella z 1961 roku, złota zasada przedstawiał zgromadzenie mężczyzn, kobiet i dzieci różnych ras, religii i grup etnicznych, z prostym, ale uniwersalnym zdaniem: „Wobec innych, tak jak byś chciał, aby oni czynili tobie”. W 1985 r. Rockwell stał się ikoną ilustracja została ponownie wyobrażona jako gigantyczna mozaika i podarowana Organizacji Narodów Zjednoczonych w imieniu Stanów Zjednoczonych przez Pierwszą Damę Nancy Reagan gan—. Od tego czasu pozostaje na wystawie w siedzibie ONZ w Nowym Jorku. 

Przypadkowo złota zasada rozpoczął życie jako rysunek inspirowany misją humanitarną ONZ. Oryginalna ilustracja, zaprojektowana w 1952 roku i wykonana w 1953 roku, przedstawiała 65 osób reprezentujących narody świata, otaczające kluczowych członków Rady Bezpieczeństwa ONZ (ZSRR, Wielka Brytania i USA). Chodziło o wyrażenie nadziei w nowej organizacji pokojowej, a Rockwell przeprowadził szeroko zakrojone badania, w tym sfotografowanie dyplomatów i modelek na zdjęciach. Po ukończeniu rysunku artysta stracił wiarę i porzucił projekt, czując, że stracił głębię. Po przeprowadzce do Stockbridge w stanie Massachusetts Rockwell powrócił do tego pomysłu dekadę później, usuwając dyplomatów i skupiając się na idei wspólnego człowieczeństwa, aby stworzyć jeden ze swoich najtrwalszych portretów.


Inspirowała go grafika z telewizji, hip-hopu i gier wideo

Jego pierwsza indywidualna wystawa w Ameryce, w nowojorskiej Galerii Annina Nosei następnej wiosny, wyprzedała się w dniu otwarcia, przynosząc Basquiatowi 250 000 dolarów. W tym samym przełomowym roku 1982 Basquiat wykonał Dustheads, które sprzedano na aukcji w 2013 roku za rekordową kwotę 48,8 miliona dolarów.

Dustheads Basquiata ustanowiły rekord, kiedy sprzedano je na aukcji w 2013 roku za 48,8 miliona dolarów (źródło: EPA/Alamy)

W ciągu miesięcy i lat po swoim amerykańskim debiucie Basquiat okazał się niezwykle płodny, zbudował dorobek składający się z około 1000 obrazów i ponad 2000 rysunków – wszystkie wykonane w jego niepowtarzalnie energicznym, ostrym, a jednocześnie dziecięcym stylu. Jego twórczość obfituje w odniesienia do kultury popularnej i ulicy. Inspirowała go telewizja, hip hop i szczątkowe grafiki wczesnych zręcznościowych gier wideo, a jego obrazy zawierają stickmany oraz różne symbole, takie jak wszechobecna korona, która działa jak przywieszka graffiti.


Kiedy zaczął się neoimpresjonizm?

Francuski artysta Georges Seurat wprowadził neoimpresjonizm. Jego obraz z 1883 r. Kąpiących się w Asnieres cechuje styl. Seurat studiował publikacje na temat teorii koloru wydane przez Charlesa Blanca, Michela Eugène'a Chevreula i Ogdena Rooda. Sformułował również precyzyjne nakładanie namalowanych kropek, które mieszały się optycznie dla maksymalnego blasku. Nazwał ten system Chromoluminaryzmem.

Belgijski krytyk sztuki Félix Fénéon opisał systematyczne stosowanie farby przez Seurata w swojej recenzji ósmej wystawy impresjonistów w La Vogue w czerwcu 1886 r. Rozszerzył treść tego artykułu w swojej książce Les Impresjonistów w 1886 r., a z tej książeczki jego słowo neoimpresjonizm wystartował jako imię dla Seurata i jego zwolenników.


Opowieść za obrazem — Waszyngton przekraczający Delaware

W Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku obraz Waszyngton przekraczający Delaware wisi w Galerii 760. Jest to dobrze znany obraz olejny na płótnie przedstawiający przeprawę przez Jerzego Waszyngtona przez rzekę Delaware w noc Bożego Narodzenia w 1776 r., aby zaatakować Hessians w Trenton w stanie New Jersey podczas rewolucji amerykańskiej. Nie tylko przedstawia przyszłego pierwszego prezydenta Ameryki, ale także przedstawia przyszłego piątego prezydenta, Jamesa Monroe.

Jeden z najsłynniejszych obrazów rewolucji amerykańskiej, został namalowany w Düsseldorfie w 1851 roku przez Emanuela Gottlieba Leutze, Niemca, który dorastał w Stanach Zjednoczonych, ale wrócił do Niemiec jako dorosły. Urodzony 40 lat po bitwie pod Trenton, Leutze miał nadzieję, że duch rewolucji będzie motywował europejskich liberalnych rewolucjonistów w 1848 roku. Jednak pomylił się w kilku sprawach.

Washington Crossing the Delaware, Emanuel Leutze, w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Zdjęcie: Adavyd CC BY SA 3.0

On Purdue Today, David Parrish, profesor historii sztuki, mówi, że flaga trzymana przez Monroe nie istniała aż do około roku po bitwie. Łódź na obrazie była niepoprawnym typem, a Waszyngton powinien był zostać namalowany jako młodszy mężczyzna. Poza tym, chociaż wygląda wyjątkowo szlachetnie, Waszyngton wiedział wystarczająco dużo, by nie wstawać w łodzi wiosłowej. Po prostu zostawmy to licencji poetyckiej.

Wielu historyków nie wierzy, że Monroe przekroczył Delaware z Waszyngtonem, ale z pewnością walczył w Trenton i dostał kulę w ramię, która pozostała mu do końca życia.

Portret Jamesa Monroe w Białym Domu, 1819

Pozostali pasażerowie łodzi reprezentują różne ścieżki życia amerykańskich kolonistów, w tym kanadyjskich traperów futrzanych, Afrykanina, Szkota, rolników i postaci z zachodniej części kraju. Niektórzy uważają, że postać w czerwonym płaszczu i czarnym szaliku może przedstawiać kobiety, które walczyły i umierały za wolność.

Strona internetowa Metropolitan Museum of Art mówi nam, że Leutze rozpoczął malowanie w 1849 roku, ale został uszkodzony przez pożar w 1850 roku. Artysta naprawił uszkodzenia, a obraz został nabyty przez Bremen Kunsthalle, muzeum sztuki w Bremie w Niemczech. Obraz ten został zniszczony w 1942 roku podczas bombardowania II wojny światowej przez siły brytyjskie.

Washington Crossing the Delaware (1849-1850), oryginalny obraz Emanuela Leutze

Na szczęście Leutze stworzył kopię obrazu wkrótce po pierwszym, a David Parrish donosi, że jesienią 1851 r. obraz został wysłany do Nowego Jorku, gdzie tysiące przybyły na jego wystawę w nowojorskiej galerii i w Rotundzie Kapitolu Stanów Zjednoczonych. w Waszyngtonie. Obraz jest obecnie na stałej ekspozycji w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Inne autoryzowane kopie są wystawione na Perdue University, w Washington Crossing Historic Park oraz w Białym Domu. Przejście Delaware zostało również uchwycone na innych obrazach artystów, w tym George'a Caleba Binghama, amerykańskiego artysty pogranicza, który pracował w połowie XIX wieku i był przyjacielem Leutze Thomas Sully, amerykańskiego artysty urodzonego w Anglii, który pracował na początku XIX wieku, oraz Currier i Ives, którzy wykonali litografię sceny namalowanej przez Leutzego. Obraz Leutzego jest również przedstawiony w dzielnicy stanu New Jersey.

Washington Crossing the Delaware, Emanuel Leutze (przycięte), MMA-NYC

Jak zawsze pojawiły się parodie. Jedna parodia przedstawia obraz Leutze’s odtworzony, ale wszystkie postacie mają głowy kurczaka, podczas gdy inna ma Waszyngtona i jego towarzyszy pływających na hot dogu. Są inni, gdzie Homer Simpson zajmuje miejsce Jerzego Waszyngtona, a Muppety zajmują miejsce wszystkich mężczyzn.

Emanuel Leutze, malarz niemiecko-amerykański.

Parodie na bok, Waszyngton przekraczający Delaware to inspirujący obraz oglądany każdego roku przez tysiące. Obraz został również odtworzony dla posągu z wapienia w miejscu, w którym Waszyngton wylądował w New Jersey, na 500-hektarowym parku historycznym Washington Crossing. Frank Arena, emerytowany robotnik wapienny, wyrzeźbił posąg, a robotnicy umieścili każdą indywidualnie wyrzeźbioną figurę w łodzi.

Według Washington Crossing Historic Park jeden z pracowników umieścił również małą amerykańską flagę, dzielnicę stanu New Jersey oraz notatkę z nazwiskami pracowników, którzy pomogli umieścić posąg pod jedną z figur.


Spójrz na obraz Peetersa i nie przypomina ci się śmiertelność – przypomina ci się, że jesteś głodny

Ignorując wysoki idealizm Rubensa, który zdominował antwerpską scenę artystyczną, Peeters wybrał zamiast tego malowanie w nowym realistycznym stylu, który stopniowo zyskiwał wpływy w całej Europie. „A jeśli malujesz w Antwerpii w trybie realistycznym, naprawdę różnisz się od wszystkich innych pracujących tam” – mówi Vergara. Podczas gdy poprzednie malowanie martwej natury było w dużej mierze alegoryczne, prace Peetersa cechuje precyzyjna forma i faktura, w której świecące naczynia i artykuły spożywcze elegancko kontrastują z ciemnymi, pozbawionymi ozdób tłami. Spójrz na jej obraz, a nie przypomina ci się śmiertelność, przypomina ci się, że jesteś głodny.

Tematem tego Vanitas z około 1610 r. Uważa się, że sama Peeters jest autoportretem (Źródło: Prado)

„Wiemy, że wiodący kolekcjonerzy tamtych czasów mieli jej obrazy” – mówi Vergara. Ale poza tym szczegóły jej życia pozostają tajemnicą. Pewne wskazówki co do jej osobowości możemy wydobyć z licznych miniaturowych autoportretów odbitych w złoconych filiżankach i kielichach jej obrazów. To była kolejna innowacja, której żaden malarz martwych natur wcześniej nie pomyślał, aby przedstawić się w ten sposób. Vergara widzi w nim dyskretną, ale stanowczą deklarację swojej godności nie tylko bycia malarką, ale także malarką. „Jak możesz nie wczytać się w to pewnej woli uznania?” Być może teraz będzie.

Portret damy

W przeciwieństwie do Peetersa, życie Louise Elisabeth Vigée Le Brun jest dobrze udokumentowane. Była najbardziej udaną i najdroższą portrecistką XVIII wieku, ale kiedy w 2015 roku w paryskim Grand Palais otwarto retrospektywę jej prac, niewiele osób spoza środowiska akademickiego słyszało jej imię.

Przedwcześnie uzdolniona artystka znana ze swojego dowcipu i urody, Le Brun założyła studio portretowe, gdy była jeszcze nastolatką. W wieku 23 lat namalowała pierwszy z wielu portretów Marii Antoniny, którego bezpośrednia interwencja pozwoliła jej ostatecznie wejść do Académie Royale, z której wcześniej była wykluczona z powodu małżeństwa z marszandem Charlesem Le Brunem. Znana z doskonałego traktowania koloru, tkaniny i faktury, potrafiła także „uchwycić podobieństwo jak nikt”, mówi kurator paryskiej wystawy Joseph Baillio.

Vigée Le Brun namalowała swój Autoportret w słomkowym kapeluszu w 1782 roku po spotkaniu z dziełem Rubensa w Antwerpii podczas wycieczki po Flandrii (Źródło: Wikipedia)

Taki sukces nieuchronnie wywołał zazdrość wśród jej męskich rówieśników. „To musiało być irytujące, gdy zobaczyłem, że kobieta dostaje więcej pieniędzy niż oni” — mówi Baillio. Kiedy wystawiała swój spektakularny portret hrabiego de Calonne w salonie z 1785 roku, krążyły plotki, że musiał go namalować mężczyzna. Jej królewskie koneksje zmusiły ją do ucieczki z Francji podczas rewolucji i spędziła następne 12 lat malując wielkie i dobro Europy, w tym sześcioletnie zaklęcie na dworze Katarzyny Wielkiej w Petersburgu, zanim wróciła do Francji, aby żyć w niezwykłej świetności do 86 roku życia.


Frida Kahlo&aposs Małżeństwo z Diego Rivera

W 1929 roku Kahlo i słynny meksykański muralista Diego Rivera pobrali się. Kahlo i Rivera poznali się po raz pierwszy w 1922 roku, kiedy poszedł do pracy nad projektem w jej liceum. Kahlo często obserwowała, jak Rivera tworzył mural o nazwie Kreacja w sali wykładowej szkoły. Według niektórych raportów powiedziała przyjaciółce, że pewnego dnia urodzi dziecko Rivery.

Kahlo ponownie nawiązała kontakt z Riverą w 1928 roku. Zachęcił ją do tworzenia dzieł sztuki i obaj zaczęli związek. We wczesnych latach spędzonych razem, Kahlo często podążała za Riverą w oparciu o to, gdzie znajdowały się zlecenia, które otrzymał Rivera. W 1930 mieszkali w San Francisco w Kalifornii. Następnie udali się do Nowego Jorku na pokaz Rivery w Museum of Modern Art, a później przenieśli się do Detroit na zlecenie Rivery z Detroit Institute of Arts.

Czas Kahlo i Rivery w Nowym Jorku w 1933 roku był otoczony kontrowersją. Na zlecenie Nelsona Rockefellera Rivera stworzył mural zatytułowany Człowiek na rozdrożu w budynku RCA w Rockefeller Center. Rockefeller wstrzymał prace nad projektem po tym, jak Rivera umieścił na muralu portret komunistycznego przywódcy Władimira Lenina, który później został zamalowany. Kilka miesięcy po tym incydencie para wróciła do Meksyku i zamieszkała w San Angel w Meksyku.

Kahlo i Rivera nigdy nie byli tradycyjnym związkiem, ale przylegali do siebie domy i studia w San Angel. Była zasmucona jego wieloma niewiernościami, w tym romansem z jej siostrą Cristiną. W odpowiedzi na tę rodzinną zdradę Kahlo odcięła większość swoich długich ciemnych włosów. Desperacko pragnąc mieć dziecko, ponownie doznała złamanego serca, kiedy poroniła w 1934 roku.

Kahlo i Rivera przeszli przez okresy rozłąki, ale połączyli się, aby w 1937 roku pomóc wygnanemu sowieckiemu komuniście Leonowi Trockiemu i jego żonie Natalii. otrzymał azyl w Meksyku. Niegdyś rywal sowieckiego przywódcy Józefa Stalina Trocki obawiał się, że zostanie zamordowany przez swojego starego wroga. Kahlo i Trocki podobno mieli w tym czasie krótki romans.


Obejrzyj wideo: Co artysta miał na myśli? Czytająca list Vermeera. GOOD IDEA (Styczeń 2022).